Große Gefühle, starke Graphic Novel

Den französischen Comic-Künstler Thierry Terrasson nahm ich zuerst durch die eher rabiat aussehende und ziemlich gewalttätige Science-Fiction-Serie »Yiu« wahr, die vor gut zwanzig Jahren veröffentlicht wurde. Seither hat er sich gewandelt und macht unter dem Namen »Jim« eine ganz andere Art von Comics: Es sind opulente Comic-Romane, die wie große Hollywood-Filme erzählt werden und die er grafisch auf höchstem Niveau gestaltet. Vor allem seine vierteilige Serie »Eine Nacht in Rom« faszinierte zahlreiche Fans von Graphic Novels.

Sein aktueller Comic trägt den schlichten Titel »Zoe Carrington« und spielt im »Hier und Jetzt«, hat also nichts mit Science Fiction, Fantasy oder anderen Genres zu tun. Aber es ist genau die Art von Bildgeschichte, die man auch Menschen in die Hand drücken oder schenken kann, die sonst wenig mit Comics anzufangen wissen.

Zur Handlung: Simon ist ein attraktiver Mann anfangs der dreißig, der in Frankreich lebt und »ungebunden« ist. Seine Eltern finden das seltsam und hegen allerlei Vermutungen – der Grund aber ist, dass Simon während seiner Studentenzeit in London eine Woche mit Zoe Carrington verbrachte und sie seitdem nicht mehr vergessen kann.

Dann kommt ein Anruf aus London. Ausgerechnet Zoe meldet sich. Sie lädt Simon und zwei andere Studienkollegen aus der damaligen Zeit zu einer Party ein. Der dreißigste Geburtstag eines alten Freundes soll gefeiert werden. Und weil Simon unbedingt mal wieder Zoe sehen möchte, idealerweise, um sie endlich aus dem Kopf zu bekommen, sagt er zu. Die drei Freunde reisen nach London – zu einer Party, die völlig anders verläuft, als sie es sich vorgestellt haben …

Jims »Zoe Carrington« erinnert tatsächlich an einen opulenten Film. Die Handlung findet vor großer Kulisse statt: mitten in London und auf einem Anwesen, in den Straßen der Stadt und auf einer Brücke, im Wasser der Themse und auf einem Friedhof. Natürlich sind die Gefühle groß, selbstverständlich verhalten sich die Figuren überschäumend und voller Lebensfreude – aber das macht der Comic-Künstler auf einem Niveau, das einen verzaubert und in die Geschichte hineinzieht.

Man glaubt Jim die Geschichte, man erkennt das Drama, das sich zwischen den Personen entwickelt hat und das nun erneut entsteht. Es geht um Liebe und Tod, um Beziehungen und Freundschaften. Das ist manchmal ein bisschen melodramatisch, häufig auch witzig, aber vor allem immer unglaublich unterhaltsam. Die Dialoge sitzen, die Personen sind perfekt dargestellt – Bild und Text bilden eine Einheit.

»Zoe Carrington« hat mir großen Spaß bereitet, und ich empfehle diesen Comic gern. Ich rate auf jeden Fall, sich die Leseprobe auf der Internet-Seite des Splitter-Verlags anzuschauen.

Erschienen ist das Album mit seinen 192 Seiten im großformatigen Hardcover-Format. Es kostet 39,80 Euro und kann mithilfe der ISBN 978-3-68950-116-7 überall im Buch- und Comicfachhandel bestellt werden.

(Die Rezension wurde bereits im September 2026 auf der Internet-Seite von PERRY RHODAN veröffentlicht. Hier wiederhole ich sie aus dokumentarischen Gründen.)

Prolog zu einem Comic über den Tod

Die Serie »Monsieur Mardi-Gras« gehört zu den originellsten Phantastik-Serien, die im Splitter-Verlag veröffentlicht worden sind. Die abgefahrene Geschichte über die seltsame Zwischenwelt, in die es die Menschen nach ihrem Tod verschlägt, wurde in vier Bänden erzählt, die ich immer mal wieder gern in die Hand nehme.

Als Skelette materialisieren die Menschen in einer öden Landschaft, die unter einem unbarmherzig-schwarzen Himmel liegt. Um sich zu betäuben, trinken sie Salzsäure, streiten heftig untereinander, stehlen sich gegenseitig Knochen, um ihre Körper zu optimieren, und schlagen in sinnlosen Gesprächen die Zeit in der Unendlichkeit tot.

Die Serie ist bizarr, aber nicht sonderlich witzig. Als Leser staunt man nicht nur über die erzählerische Phantasie des Künstlers Eric Libergé, sondern ist zugleich fasziniert von der grafischen Leistung. Mit den Farben spart Libergé, sein Comic ist größtenteils in einem düsteren Schwarzweiß gehalten, in dem Schatten und Winkel eindrucksvolle Muster bilden. Er zaubert wirklich große Comic-Kunst, man muss diesen Stil allerdings mögen.

Mit »Post aus dem Jenseits« liegt eine Art Prolog für die Serie vor, die in deutscher Sprache mit dem Untertitel »Unter Knochen« veröffentlicht worden ist und die ich jetzt erst gelesen habe Die Vorgeschichte erzählt, wie ein geheimer Ratgeber des Papstes überhaupt auf die Idee kommt, ein Zwischenreich für die Toten zu errichten, wie es entsteht und sich entwickelt.

Um es klar zu sagen: Die Geschichte ist makaber, sie ergänzt die bisherigen Bände von »Monsieur Mardi-Gras« sehr gut. Wer einen Hang zu origineller bis morbider Phantastik hat, wird an der Serie sowieso seine Freude haben und sollte auch »Post aus dem Jenseits« kennen. Die gesamte Serie lohnt sich wirklich.

Besonders interessant: Es gibt einen umfangreichen Anhang, der nicht nur aus einem Interview mit dem Comic-Künstler besteht, sondern auch bisher unveröffentlichte Grafiken zeigt. Leute wie ich, die gerne Hintergründe lesen und anschauen, sind hierfür eine dankbare Zielgruppe.

Phantastische Comic-Achterbahnfahrt

Wenn Scott Snyder sich daran macht, einen Comic zu entwickeln, kann man davon ausgehen, dass sich das Ergebnis sehen lassen kann. Das gilt auch für »Dudley Datson«: Die einzelnen Episoden erschienen in den USA als einzelne Hefte und wurden hierzulande vom Splitter-Verlag als schicker Hardcover-Band veröffentlicht.

Die Hauptfigur ist ein 15 Jahre alter Junge namens Dudley Datson. Sein großer Traum ist, als Erfinder berühmt zu werden. Der Hintergrund hierfür ist aber, dass er seinem schwerkranken Vater mit all seinen Erfindungen helfen will – es geht ihm also nicht um persönliche Bereicherung oder ähnliche eigensinnige Gedankengänge.

Doch Dudley ist alles andere als cool, sondern eher einer von der Sorte, die bei der falschen Gelegenheit stolpern und alles verschütten. Deshalb ist er auch sehr verwundert, als er auf einmal ein mächtiges Gerät besitzt und mit einem sprechenden Hund zu tun hat. Dudley kapiert, dass er in eine Intrige verwickelt ist, die seit Jahrtausenden andauert und in die Erfinder aus allen Jahrhunderten eingebunden sind …

Die Geschichte ist flott erzählt, hat ziemlich viel Action, die sich selbst nicht ernstnimmt, und bringt eine Reihe von coolen Dialogen. Dudley und der sprechende Hund sind ein Team, das erst langsam zusammenwachsen muss; sein Vater und ein schräger Freund spielen im weiteren Geschehen ebenfalls eine Rolle. Die Gegenspieler haben finstere Pläne – wie man das auch von Superhelden-Comics her kennt –, die man aber nicht sooo ernstnehmen kann.

Genial ist das alles nicht: Scott Snyder weiß, wie man eine Geschichte unterhaltsam erzählt, da gibt es nichts zu meckern. Der Weltenbau ist halt ein bisschen schlicht – aber man langweilt sich auf keiner Seite. Die Grafik von Jamal Igle ordnet sich der Geschichte unter: Die Bilder sind gut, berauschen aber nicht.

So entsteht unterm Strich der Eindruck einer gelungenen Science-Fiction-Geschichte, die man mit Vergnügen lesen kann. Für Begeisterung reicht »Dudley Datson« bei mir dann doch nicht ganz aus.

Beeindruckende Graphic Novel in neuer Auflage

Bereits 2024 erschien »Liberty« zum ersten Mal im Splitter-Verlag, ein toll erzählter und stark illustrierter Comic-Roman über die Freiheitsstatue. Das Werk des Autors Julian Voloj und des Illustrators Jörg Hartmann war erfolgreich, wurde mittlerweile in mehreren Ländern veröffentlicht und nachgedruckt. Aus diesem Grund liegt seit dem Frühjahr 2026 eine erweiterte Neuauflage vor, die den eigentlichen Comic durch redaktionelle Seiten ergänzt – diese möchte ich an dieser Stelle empfehlen.

Erzählt wird die Geschichte der Freiheitsstatue, die jeder von Bildern her kennt und die sicher eines der wichtigsten Wahrzeichen der Vereinigten Staaten ist. Für Millionen von Menschen, die über New York in das Land einreisten, wurde sie zum Symbol für ihr neues Leben und für die Freiheit. Kaum jemand weiß allerdings, wie die Freiheitsstatue erbaut wurde und warum sie an der Stelle steht, wo man sie heute bewundern kann.

Die Geschichte wird anhand eines Mannes erzählt: Frederic-Auguste Bartholdi ist ein französischer Staatsbürger, der mit viel Energie sein Ziel verfolgt, ein Denkmal für die französisch-amerikanische Freundschaft zu errichten. Anfangs betreibt er dieses Ziel nicht allein, sondern gehört zu einer Gruppe engagierter Franzosen.

Zeitweise scheint er allerdings nur noch allein an seinem großen Projekt zu arbeiten und erleidet zahlreiche Rückschläge. Wegen all der Probleme dauert das Projekt auch deutlich länger als geplant und wird erst zwanzig Jahre nach seinem Beginn fertig.

Wer sich für die Fakten rings um die »Lady Liberty« interessiert, kann diese an den bekannten Stellen im Internet nachlesen. Die hier vorliegende Graphic Novel greift diese Tatsachen auf und verbindet sie mit den Menschen, die den Bau der Freiheitsstatue unterstützten.

Julian Voloj versteht sich darauf, historische Elemente mit den persönlichen Sichtweisen seiner Figuren zu verbinden. Damit macht der Autor eine Epoche erlebbar, so dass man die Ereignisse heute gut nachvollziehen kann.

Die Illustration durch Jörg Hartmann unterstreicht das Ganze; sein Stil ist zurückhaltend und realitätsnah gleichermaßen. Vor allem die historischen Details wirken auf mich sehr stimmig.

Dank der Zusammenarbeit der beiden Comic-Künstler entstand eine Graphic Novel, die vor allem jene Leser ansprechen wird, die sich für historische Themen und künstlerisch überzeugende Bildsprache interessieren.

Nach wie vor ist die Originalausgabe zu erhalten. Die erweiterte Neuausgabe hat ein anderes Titelbild und ergänzende redaktionelle Seiten. Mit Fotos und Skizzen zeigen sie, wie dieser Comic-Band entstanden ist und wie sich sein Erfolg angebahnt hat. Spannend! 

(Die Rezension erschien bereits im Juli 2026 auf der Internet-Seite der PERRY RHODAN-Serie. Hier wird sie aus dokumentarischen Gründen wiederholt.)

Unfassbar coole Krimi-Groteske

Was für ein Knaller! Und wieso habe ich diesen großartigen Comic so lange sträflich vernachlässigt? Dieser Tage las ich endlich den ersten Band von »Shooting Ramirez« und bin davon hin und weg. Hier liegt eine rasante Mischung aus Gangster-Komödie, Action-Comic und Gesellschaftssatire vor, die auch noch in einem originellen Stil gestaltet ist und die ich extrem spannend fand.

Die Geschichte spielt in den 80er-Jahren des 20. Jahrhunderts und in Arizona. Und weil der Comic in dieser Zeit angesiedelt ist, wird fiktive Werbung eingeblendet, sogar ganzseitige »Anzeigen« mitten in der Geschichte. Autos und coole Kleidung werden beworben; wer diese Zeit erlebt hat, wird vieles wiedererkennen.

In dieser Zeit lebt Jack Ramirez, ein Mechaniker, der in der Lage ist, alle möglichen Gerätschaften zu reparieren. Ramirez ist immer freundlich, spricht kein Wort, weil er stumm ist, und wird von seinen Kollegen geschätzt. Klaglos engagiert er sich in einer Firma, in der ein rauer Umgangston herrscht, und ist stets für die Arbeit da. Was er privat macht, weiß niemand und interessiert auch niemanden.

Doch auf einmal setzen sich mexikanische Killer auf seine Fersen. Sie halten ihn für einen gefährlichen und äußerst rabiaten Auftragsmörder. Die Firma, in der Ramirez arbeitet, verwandelt sich in ein Schlachtfeld ...

Soweit die grob angerissene Geschichte. Nebenbei spielen noch zwei Bankräuberinnen eine Rolle, und die völlig überforderte Polizei hat einige größere Auftritte.

Der Vergleich mit »Pulp Fiction« und anderen Filmen liegt nahe und ist nicht ganz falsch. Die vielschichtige Geschichte, die sich bei »Shooting Ramirez« anbahnt, bietet viel groben Humor, ist aber nicht so zynisch wie »Pulp Fiction«, und wird nicht ganz so vertrackt erzählt. Ansonsten wird aber auch hier viel geballert, und es mangelt nicht an sarkastischen Dialogen, die zu lesen eine wahre Freude ist.

Zeichnerisch hält der Comic die Waage zwischen. »funny« und realistisch. Die Figuren sind nicht realistisch gezeichnet, aber weit genug von irgendwelchen Knollennasen entfernt. Der Stil ist modern, manchmal fast glatt – das ist alles schon sehr cool, was ich an dieser Stelle positiv meine.

»Shooting Ramirez« ist klasse. Ich freue mich auf die Lektüre des zweiten Bands, den es ja bereits gibt.

Knallig-blutiger Western-Comic

Das Kreativgespann aus Rogert Seiter und Chris Regnault ist mir durchaus bekannt: Die beiden haben in den vergangenen Jahren sowohl getrennt wie auch als Team eine Reihe von gelungenen Comics veröffentlicht. Mit »Leave Them Alone« liegt nun ein knalliger Western vor, den der Splitter-Verlag im kleinformatigen »Book«-Format veröffentlicht hat.

Die Story spielt im Jahr 1874 in Arizona. Eine Bande brutaler Mörder terrorisiert die Gegend. Postkutschen werden überfallen, es gibt Mord und Vergewaltigung. Eine kleine Poststation wird zum Schauplatz eines fiesen Kampfes, in dem sich unter anderem ein 18 Jahre altes Mädchen und seine Großmutter bewähren müssen ...

Das Szenario für den spannenden Comic stammt von Roger Seiter, und man kommt sich bei der Lektüre vor wie in einem klassischen Italo-Western. Die Figuren sind klar definiert, man kann Gut und Böse unterscheiden. Trotzdem gibt es »graue« Charaktere, zu denen eine Prostituierte und ein anfangs sehr schweigsamer Revolvermann gehören. Über die gesamte Länge der 160 Seiten hinweg ist die Geschichte spannend, auch deshalb, weil sie sich immer mehr zuspitzt und mit einer Reihe von Überraschungen aufwartet.

Chris Regnault verbindet die rasante Story mit einer bestechenden Grafik. Sie ist nicht hyperrealistisch; die Figuren erinnern manchmal eher an »Funnys«, ohne aber witzig zu sein. Landschaftsbilder überzeugen, Gesichter sind stark, Action wirkt heftig – Regnault hat einen modernen Stil, der nicht an die Western-Klassiker wie »Comanche« oder »Blueberry« erinnert, sondern eigene Wege einschlägt.

Starker top-aktueller Western-Comic! Checkt die Leseprobe!

Weltraum-Abenteuer in drei Comic-Bänden

In den vergangenen Jahren hat sich Ingo Römling zu einem der bekanntesten Comic-Künstler des deutschsprachigen Raums entwickelt. Er war für »Star Wars«-Comics tätig und arbeitet immer wieder mit Comic-Autoren an unterschiedlichen Projekten.

Zusammen mit dem französischen Autor Richard Marazano entwickelte er »Die Chroniken des Universums«, einen dreibändigen Comic, der in einer fernen Zukunft spielt. Die drei Bände wurden in den vergangenen Jahren im Splitter-Verlag veröffentlicht, der dritte Band kam im Frühjahr 2025 heraus – eine lohnenswerte Entdeckung für Science-Fiction-Fans.

Die Geschichte beginnt mit einem Raumflug, den eine Gruppe von Studierenden zusammen mit ihrem Dekan unternimmt. Dabei werden die jungen Leute von einer Art Zeitstrudel erfasst und in die Zukunft geschleudert, weit weg von der Erde und allen bekannten Systemen. Sie müssen versuchen, irgendwie den Rückweg durch Zeit und Raum zu finden, erkennen dann aber, dass sie nebenbei ein großes kosmisches Rätsel lösen müssen.

Dabei ist die Gruppe in sich ziemlich zerstritten. Die Studierenden haben andere Ansichten als der Dekan, der sich tatsächlich als ein Kopf in einer Glasvitrine entpuppt, oder ein kleinwüchsiger Humanoider, der sich anscheinend von den Gefühlen anderer Lebewesen »ernährt«. Weiß der Dekan mehr über die Zukunft, in der die jungen Leute gestrandet sind, und kann sich die Gruppe wirklich zusammenraufen, um gemeinsam überleben zu können?

Richard Marazano entwickelt seine Geschichte über die drei Bände hinweg, die eng zusammenhängen. Bei der Lektüre bekam ich allerdings das Gefühl nicht los, dass er – als er die Trilogie anfing – einen anderen Ausgang plante als der nun am Ende entstanden ist. Letztlich dürfte das aber gleichgültig sein, weil die Geschichte an sich ja spannend genug ist.

Der Autor widmet sich immer wieder dem Innenleben der Gruppe. Er zeigt die Spannungen zwischen den einzelnen Menschen und eine sich entwickelnde Liebesgeschichte. Er stellt aber auch die Begegnung mit Aliens dar und bringt die Geheimnisse des Kosmos – um die es letztlich geht – vor allem im zweiten und dritten Band stärker ein.

Bis ins Detail klärt er sie aber nicht auf und gibt auch keine Antworten auf die Fragen, die sich wohl manch eine Leserin oder ein Leser stellen wird. Da bleibt einiges an der eigenen Phantasie hängen, oder es gibt irgendwann doch eine Fortsetzung. Nachdem die Trilogie ihr Ende erreicht hat, könnte problemlos eine weitere Trilogie anschließen …

Ingo Römlings Illustrationen stellen die Figuren und ihr Umfeld gut dar. Sie sind eigenständig, man erkennt immer, wer welche Rolle einnimmt. Das Raumschiff wird technisch glaubhaft gezeigt, die Außerirdischen und die fremden Planeten stellt Römling ebenfalls gut dar. Damit illustriert er die mal actiongeladene, mal abgedrehte Geschichte stets wirkungsvoll.

»Die Chroniken des Universums« ist eine gelungene Comic-Trilogie. Wer Science Fiction mit Raumschiffen und Sense of Wonder mag, sollte sich die Leseprobe auf der Internet-Seite des Splitter-Verlags anschauen – danach kann man ja entscheiden, ob und wie es gefällt. Ich habe mich bei der Lektüre der drei Bände sehr gut unterhalten.

Die drei Bände wurden als Hardcover im Album-Format veröffentlicht; sie umfassen 56 Seiten und kosten 16,00 oder 17,00 Euro. Bestellen und kaufen kann man sie überall im Buch- und Comicfachhandel. 

(Die Rezension wurde im Juni bereits auf der Internet-Seite der PERRY RHODAN-Serie veröffentlicht. Hier bringe ich sie aus dokumentarischen Gründen.) 

Rabiater Start in einen Western

Der Western ist ein Genre, das mehr mit der Fantasy zu tun hat als mit der wirklichen Historie; deshalb kümmert es mich nur selten, wenn die geschichtliche Seite arg holpert. Wichtig ist, dass die Geschichte stimmt und mich in ihren Bann zieht.

Mit dem neuen Western-Comic »Wyoming, 1863« liegt genau so ein Fall vor. Der erste Teil ist unter dem Titel »Fünf Tage zum Sterben« bereits erschienen, die anderen zwei Teile der Trilogie erwarte ich geradezu sehnsüchtig.

Sie spielt in einer eher abgelegenen Gegend; es gibt die übliche kleine Stadt und abgelegene Farmen, vor allem gibt es eine Bande ultrabrutaler Banditen, die alles terrorisieren, die morden und vergewaltigen. Eine junge Frau ist als Rächerin unterwegs und nimmt den Kampf gegen die Banditen auf – während die Bande stärker wird, kommt ein grausiger Showdown auf einer Ranch immer näher.

Historisch will ich das nicht werten. 1863 war Wyoming doch eher ein Territorium für Dakota und Cheyenne; Winchester-Gewehre waren sicher kein Allgemeingut, und eine richtige Ranch hatte sich in dieser Gegend wohl kaum angesiedelt.

Aber irgendwie stört das nicht angesichts der rabiaten und spannenden Geschichte. Jean-François di Giorgio und Fabrizio des Dorides, die mir beide bislang nicht bekannt waren, setzen auf Action und knallige Dialoge; das erinnert an einen alten Italowestern und ist entsprechend brutal. Humor findet man in diesem Comic keinen, dafür spritzt auch mal das Blut oder gibt es fürchterliche Schießereien.

Wer heftige Western-Comics wie »Durango« mag, sollte unbedingt einen Blick riskieren. Der erste Teil von »Wyoming, 1863« steigt richtig heftig ein und macht auf die Fortsetzung neugierig.

Spanischer Comic-Klassiker

Irgendwann in den 70er-Jahren fielen mir – wie vielen anderen Jugendlichen im deutschsprachigen Raum – einzelne Ausgaben der Comic-Zeitschrift »primo« in die Hände. Wenn ich mich recht erinnere, hatte ein Verwandter von uns recht viele Comic-Hefte, und dort saß ich dann stundenlang und las darin. So stieß ich auf die Comic-Serie »El Cid«, die mich durch ihre Bilder faszinierte.

Im Avant-Verlag erschien vor mehreren Jahren eine dickleibige Gesamtausgabe der Serie. Leider ist sie im Verlag bereits vergriffen, man bekommt sie aber noch gut im Secondhand-Bereich. Wer wuchtige Comics mit Bildern mag, die einen nicht so schnell nicht loslassen, sollte einen Blick riskieren.

Der Schöpfer der Serie, die es nur auf vier Bände brachte, aber auf weit mehr angelegt war, war Antonio Hernández Palacios, von dem auch die Serien »Manos Kelly« und »Mac Coy« stammen. Man erkennt seine Geschichten sofort, vor allem aufgrund der extrem stark charakterisierten Figuren und auch wegen der zeitweise grellen Farbgebung. Damit schuf er ein ganz eigenständiges Werk, das über all die Jahrzehnte hinweg im Gedächtnis der Leserinnen und Leser blieb.

Und worum geht’s eigentlich? »El Cid« spielt im elften Jahrhundert im heutigen Spanien. Nachdem islamische Kämpfer aus Nordafrika den größten Teil der iberischen Halbinsel erobert haben, versuchen die christlichen Königreiche nun, die Mauren – wie man sie nennt – Schritt für Schritt zurückzudrängen. Dabei sind sich die christlichen Herrscher selten einig: Bündnisse werden geschlossen und gebrochen, Verwandte treten einander in brutalen Kämpfen gegenüber.

El Cid ist für die spanische Geschichte so etwas wie ein Nationalheld. Der Comic richtet sich also vor allem an ein spanisches Publikum, dem die Städte und Burgen, um die ständig gekämpft wird, eher etwas sagen als einem deutschen Leser. Ich guckte mir ab und zu auf der Landkarte an, wo die Handlung eigentlich spielt … aber das ist natürlich nicht nötig.

Die Geschichten sind abenteuerlich und realistisch, streckenweise ganz schön brutal. Es werden keine expliziten Grausamkeiten gezeigt, aber es wird klar, dass es zu Folter, Mord und Vergewaltigung kommt – Städte, Dörfer und Burgen werden geplündert und niedergebrannt, es herrscht ein ununterbrochener Krieg.

»El Cid« ist nichts für Leute, die vor allem leichte Geschichten bevorzugen. Es ist ein Comic-Werk, das in Spanien großen Einfluss hatte; ich fand’s toll. Aber man muss sich auf diese Art von Geschichten schon einlassen können …

Politische Tierfabel in Comic-Form

Mit »Das Blut des Königs« liegt der vierte und abschließende Band eines Comic-Vierteilers vor, der in seiner politischen Klarheit und in seiner spannenden Handlung absolut empfehlenswert ist. »Schloss der Tiere« wirkt auf den ersten Blick wie eine Tierfabel, ist aber eine, die sich eindeutig nicht an Kinder richtet, sondern an ein erwachsenes Publikum.

Die Handlung spielt im »Hier und Jetzt« und auf einem Landgut in Frankreich. Menschen leben dort keine mehr, die gibt es aber in einem nahegelegenen Dorf. Im Schloss haben sich Tiere angesiedelt: Ein Stier regiert mit eiserner Hand, beschützt von einer Leibgarde aus Hunden. Hühner und Kaninchen, Katzen und Ziegen sowie andere Tiere leben im Schloss, das vordergründig wie eine Demokratie strukturiert ist.

Silvio wohnt zwar in den prächtigen Gemächern des Gutsherrn, wird aber als Präsident bezeichnet. Seine Behauptung: Nur wenn er und die Hunde für die Sicherheit der Tiere sorgen, sind sie in der Lage, sie gegen die Wölfe zu beschützen, die durch die Wälder streunen. Deshalb sind die anderen Tiere dazu verdammt, knallharte Frondienste zu leisten, angetrieben von den Hunden und ausgenutzt von Silvio und seiner Familie.

Doch nicht alle Tiere sind mit dem System einverstanden. Eine Katze, ein Kaninchen und eine Ratte bilden eine Gruppe des Widerstands – mit allen friedlichen Mitteln wollen sie gegen Silvio antreten. Sie versuchen es mit Witz und Ungehorsam, sie riskieren Sabotage und fordern demokratische Wahlen. Der Kampf zwischen Solidarität und Tyrannei wird mit allen Mitteln ausgefochten …

In den vier Comic-Bänden exerziert Xavier Dorison allerlei politischen Gegensätze durch. Klar basiert sein »Schloss der Tiere« auf dem Klassiker »Farm der Tiere« von George Orwell, geht für meinen Geschmack aber weiter in die Tiefe. Dorison zeigt die Gründe, warum sich manche Menschen, pardon: Tiere, als feige erweisen und warum manche in der Gefahr über sich hinauswachsen – sehr spannend und sehr eindrucksvoll!

Félix Delep, der mir bisher als Zeichner nie aufgefallen ist, liefert mit diesem Comic-Vierteiler ein starkes Werk ab: Seine Tiere haben ausreichend menschliche Züge, so dass man ihre Emotionen lesen kann, werden von ihm aber dennoch stets als Tiere gezeigt. Er hält bei diesen Darstellungen hervorragend die Waage und schafft es, packende Szenen voller Dynamik zu erzeugen.

Alle vier Bände dieser Comic-Saga sind mitreißend erzählt und toll gestaltet. Sie überzeugen mich auf allen Ebenen – und sie sind auch für solche Menschen interessant, die sonst nicht so viel mit Comics anfangen können. Ich empfehle unbedingt, eine der Leseproben anzuschauen; vielleicht gleich für den vierten Band, den aktuellen also.

Die vier Bücher haben unterschiedliche Umfänge und Preise; sie sind als hochwertige Hardcover-Bände im Splitter-Verlag erschienen. Man kann sie überall im Comicfach- und im Buchhandel bestellen;.

(Diese Rezension wurde bereits im März auf der Internet-Seite der PERRY RHODAN-Redaktion veröffentlicht; ich teile sie hier aus dokumentarischen Gründen.) 

Eine Geschichte um Fliegen und Lieben

Der Comic-Autor Scott Snyder ist mir allem durch seine Mitarbeit bei amerikanischen Superhelden bekannt; er verantwortete über viele Jahre hinweg die wesentlichen Helden und ihre Serien. Dass er auch ganz andere Stoffe in packende Comics übertragen kann, beweist »Barnstormers«. Der Comic wurde in den USA mit einem Eisner Award ausgezeichnet, einem echt renommierten Preis also, und liegt bei uns als schöner Hardcover-Band im typisch amerikanischen Format vor.

Die Geschichte spielt nach dem Ersten Weltkrieg und in den USA. Bei einem Barnstormer handelt es sich um einen Piloten, der mit seinem Flugzeug zu einem Akrobaten der Lüfte wird. Ein solcher Barnstormer verhilft einer jungen Frau zur Flucht aus einer Ehe, die sie nicht will. In der Folge setzen sich allerlei Leute auf ihre Spur. Die Flüchtigen schlagen sich gemeinsam als Barnstormers durch, während ihre Probleme immer größer werden …

In seiner Story fängt Snyder die Zeit nach dem Krieg ein; seine Figuren sind keine strahlenden Helden, sondern Leute mit Problemen, die sie nicht verarbeitet haben. Die Geschichte erzählt der Autor voller Drama und Emotion: Natürlich gibt es eine Liebesgeschichte, natürlich wird das Drama immer größer – das ist so filmisch erzählt, dass man bei der Lektüre schon den großen Hollywood-Streifen vor sich sieht.

Von Tula Lotay kannte ich bislang noch nichts; die Bilder sind teilweise wild, die Seitengestaltung ist dynamisch. In den Bildern wird der Rausch des Fliegens eingefangen, ebenso gibt es Action und Hetzjagen sowie große Gefühle. Auch hier gilt: Das schreit nach einem großen Hollywood-Film.

»Barnstormers« ist ein Comic, der zu Recht mit einem Preis bedacht wurde. Packend und mitreißend – toll.

Erotik und Literatur aus dem alten Rom

Zu den literarischen Klassikern, die ich endlich einmal lesen sollte, gehört »Der Goldene Esel«, der daheim im Stapel der ungelesenen Bücher liegt. Verfasst wurde er von einem römischen Schriftsteller namens Apuleius, der in diesem Werk allerlei erotische und sonstwie auffallende Szenen unterbrachte. Mittlerweile gibt es diesen Roman auch in einer Comic-Version, für die Milo Manara zuständig ist, und diese wurde im Splitter-Verlag veröffentlicht.

Man muss klar sagen: Die Geschichte ist schon ziemlich haarsträubend und eigentlich nur vor dem Hintergrund des römischen Reiches so richtig verständlich. Es geht um Sex und Verführung, aber auch um Macht und Geld. Der Mann, der in einen Esel verwandelt und daraufhin ständig gequält wird, ist sicher eine Figur, die einen inhaltlichen Bezug zur römischen Geschichte und Gesellschaft hat und diese quasi spiegelt.

Davon bleibt bei Manaras Comic-Version wenig übrig. Wenig überraschend: Der Autor und Künstler konzentriert sich auf die Erotik, die im Originaltext steckt, und macht streckenweise einen Porno aus der Geschichte. All diese Elemente sind im Original enthalten, keine Frage, werden bei Manara aber deutlicher in den Vordergrund geschoben.

Gut gezeichnet und gestaltet ist das allemal, was auch nicht überrascht. Manara steht als Comic-Künstler außer Frage, und sein Talent, nackte Frauen zu zeichnen, hat er nicht verloren. Die Geschichte wird unterhaltsam präsentiert, und sie ist gut gemacht.

Aber faktisch handelt es sich halt eher um geballte Erotik und weniger um literarisches Nacherzählen – wer das mag, kommt bei dieser Version des »Goldenen Esels« sicher auf seine Kosten.

Origineller Phantastik-Comic in drei Bänden

Mit dem Comic »Bitter Root« veröffentlichte der Splitter-Verlag eine Serie, die in den USA – wo sie im Heft erschienen war – allerlei Preise kassierte und die hierzulande nun in Form von drei Hardcover-Bänden vorliegt. Leider lässt die Geschichte ein wenig nach und endet für mich unentschlossen, die Illustrationen finde ich aber immer noch sehr überzeugend.

»Bitter Root« spielt in den zwanziger Jahren, sie beginnt in Harlem, also im »schwarzen Viertel von New York. Erzählt wird von der Familie Sangerye und ihrem Kampf gegen monströse Wesen, die aus einer anderen Dimension kommen. Diese Kämpfe sind hart – und sie sind sehr klar als eine Parabel zu verstehen, als die rassistischen Angriffe auf Schwarze Menschen und deren Versuch, sich dagegen zu wehren.

Vor allem in den ersten Bänden ist das ein zentrales Thema. Der Rassismus wird klar vermittelt, die Gefahren für Schwarze eindeutig gezeichnet. Im weiteren Verlauf der Serie werden die Monster immer wichtiger, und am Ende geht es eigentlich nur noch um fremde Dimensionen und familiäre Szenen – am Ende wird sogar die Ermordung der Juden durch die Nazis thematisiert.

Ich finde immer noch, dass die Serie – sie wurde von David F. Walker und Chuck Brown geschrieben – vor allem am Anfang großartig ist. Ab dem Moment, in dem sich »Bitter Root« in eine ganz normale Phantastik-Geschichte mit allerlei Monstern verwandelt, wurde die Serie für mich schwach. Am Ende springt die Handlung zudem sehr, weshalb ich ihr kaum folgen konnte; schade eigentlich!

Grafisch finde ich den Comic immer noch überzeugend. Sanford Greene liefert knallige Action und eine Figurendarstellung, die fast die Seiten zu sprengen scheint. Das ist außergewöhnlich gemacht und sucht seinesgleichen.

Allerdings kann ich für diesen Comic-Dreiteiler – oder eben die ganze Serie – nur eine einschränkte Empfehlung geben. Wer ungewöhnliche Bilder schätzt, kommt aber auf seine Kosten. (Checkt die Leseprobe!)

Wenn der Atzeschlumpf kommt …

Zu den wichtigsten Geschichten der Comic-Reihe »Die Schlümpfe« zählt sicher die vom »König der Schlümpfe«, eine für Kinder gemachte Story, in der es aber ganz klar um politische Inhalte geht. Schon als Kind mochte ich sie, und als Erwachsener las ich sie immer wieder.

Bei Toonfish erscheinen »Die Schlümpfe« in einer schönen Hardcover-Ausgabe; mittlerweile wird sie durch Dialekt-Ausgaben ergänzt. Zuletzt las ich »Atzeschlumpf markiert den Harten«. Das ist die klassische Geschichte um den Schlumpf, der sich zum König über die anderen Schlümpfe aufschwingt und eine Diktatur errichtet – nur eben im Berliner Dialekt.

Ich kann kein Berlinerisch, finde den Dialekt aber witzig. Vor allem früher, als man in Berlin viele »echte« Berliner antraf – heute wird in manchen Lokalen nur noch Englisch gesprochen, was ich ein wenig skurril finde –, mochte ich den Dialekt sehr, vor allem deshalb, weil ich als Schwabe meine Schwierigkeiten damit hatte.

Die Sprechblasen in diesem Album musste ich teilweise laut lesen, um sie richtig zu verstehen. Ich nehme an, dass Leute, die so richtig berlinern können, daran auch ihre Freude haben werden. Die klassische Geschichte an sich ist ja gut: Sie ist toll erzählt, sie ist toll gezeichnet, sie ist zeitlos.

Das Ganze aber in einem Dialekt, der schon speziell klingt und auch mit einigen Ausdrücken aufwartet, die man so nicht erwartet – das mit dem dauernden »Atze« etwa –, fand ich sehr amüsant. Wer einen witzigen Comic als Geschenk möchte, ist mit diesem Album sehr gut beraten!

Catwoman auf Norwegisch

Dass ich die Comic-Figur Catwoman sehr mag, habe ich schon gelegentlich erzählt. Ich lese die aktuellen »Catwoman«-Bände sehr gern, weil sie spannend erzählt und gut gezeichnet sind. Aktuell gibt es eine neue Story, die bislang die Paperbacks drei und vier umfasst und die für sich gut verständlich sind – man braucht keinerlei Serienkenntnisse, um die packende Story gut zu verstehen und Freude daran zu haben.

Selina Kyle, die als Catwoman eigentlich damit beschäftigt ist, andere Leute zu bestehlen, wird mit ihrer Vergangenheit konfrontiert. Vor gut zehn Jahren war sie in Europa unterwegs und ließ sich damals auf eine gefährliche Familie ein. Als nun eine junge Frau ermordet wird, erkennt Selina Kyle, dass sie etwas tun muss, und reist nach Europa.

Verantwortlich für die neue Handlung, die in Berlin und Tokio, in Budapest und anderen Städten spielt, ist die norwegische Comic-Autorin Torunn Grønbekk. Bei den aktuellen Geschichten kommt sie komplett ohne Superhelden-Gedöns aus: Es gibt keine maskierten Wirrköpfe, keine Monster aus der Unterwelt, keine Außerirdischen. Stattdessen hat es Catwoman mit »ganz normalen« Drogenhändlern, Mördern und monströsen Familiengeschichten zu tun.

Klar sind die Action-Einlagen knallig, Catwoman ist auf ihre Art natürlich eine Superheldin. Aber erzählt wird vor allem eine Geschichte mit relativ normalen Menschen, die sich gegenseitig verfolgen und umbringen wollen. Das macht die Autorin hervorragend das las ich sehr gern.

Künstlerisch sind die aktuellen »Catwoman«-Bände ebenfalls gelungen. Die verschiedenen Zeichner sind sehr gut darin, Action, Landschaften, Gesichter oder auch Gebäude glaubhaft und realitätsnah darzustellen. So entstehen spannende Comic-Geschichten ohne viel Tiefgang – den ich hier auch nicht erwarte –, die sich flott lesen lassen.

Die Bände drei und vier der aktuellen »Catwoman«-Serie kann ich also nur empfehlen. Ein Blick auf die Internet-Seite bei Panini lohnt sich bestimmt; dort stehen Leseproben zur Verfügung.

Fassdenklettern und andere Probleme

Der Splitter-Verlag ist vor allem durch seine hervorragenden Comics in den Bereichen Science Fiction und Fantasy bekannt geworden. Seit einigen Jahren zählt aber auch die Serie »Die vier von der Baker Street« zu seinem Programm. Ich las dieser Tage den aktuellen Band, die Folge zehn, die den Titel »Das Schwarze Museum« trägt.

Die Handlung spielt gegen Ende des 19. Jahrhunderts. Während England zur weltweiten Großmacht aufgestiegen ist, leben viele Menschen in London immer noch im Elend. Straßenkinder müssen sich mit allem durchschlagen, was sie an Witz, Intelligenz und Härte aufzubringen haben. Da ist es schon gut, wenn man ab und zu für den berühmten Sherlock Holmes arbeiten und sich damit einige Münzen verdienen kann.

Erzählt wird von drei Jugendlichen und einem Kater – sie sind die vier aus der Baker Street –, die immer mal wieder Sherlock Holmes zur Hilfe eilen, ansonsten aber ihre eigenen Fälle lösen. Da sie aber in einem Milieu verkehren, in dem Kriminalität normal ist, werden sie häufig in Konflikte hineingezogen. Davon erzählt »Das Schwarze Museum«.

Ohne ins Detail zu gehen: Die Jugendlichen schlagen sich mit einer Straßenbande herum, es kommt zu Entführungen und Morden, es gibt einen Einbruch bei Scotland Yard, und Sherlock Holmes sowie Doc Watson müssen sich ebenfalls engagieren. Die Handlung ist turbulent, die Szenen wirken sehr realistisch.

Auch wenn die Helden eigentlich Jugendliche sind, ist das ein Comic, der sich an Erwachsene richtet. Da fließt schon mal Blut, da gibt es hässliche Kämpfe. Das aber wird so mitreißend erzählt und gezeichnet, dass es mich immer wieder aufs Neue begeistert. »Die vier von der Baker Street« ist eine Comic-Serie, die ein größeres Publikum verdient hätte!

Comic-Dreiteiler über eine Insekten-Zukunft

Irgendwann in einer Zeit, die sehr weit von der unsrigen entfernt ist: Die Menschheit scheint ausgestorben, doch ihre Hinterlassenschaften bedecken immer noch das Land, vor allem der Kunststoff ist geblieben, allgemein nur als »Plastok« bezeichnet. In dieser Zeit sind die Insekten irgendwie intelligent geworden, haben Staaten gegründet und leben mehr schlecht als recht zusammen – Ameisen und Käfer, Wespen und Schmetterlinge. Die Menschen werden als Götter verehrt oder als »die Großen« bezeichnet. Blattläuse werden in dem Staatswesen, das die Insekten aufgebaut haben, als geringwertig angesehen.

Doch dann wird die Hohepriesterin, die sich mit den verschwundenen Göttern beschäftigt hat, bei einem Attentat getötet. Der Einzige, der als Mörder in Frage kommt, ist ausgerechnet eine Blattlaus. Sie ist unschuldig, was sie auch beteuert, was ihr aber niemand glaubt. Doch dann wird die Laus aus dem Gefängnis befreit, und sie stolpert geradezu durch die Welt, trifft auf Insekten, die ihr helfen, und ebenso Insekten, die sie bekämpfen. Und ganz nebenbei findet die Blattlaus die Ursache für den Götterglauben …

So lässt sich die Handlung der skurrilen Trilogie »Plastok« zusammenfassen, die als ein gelungener Comic-Dreiteiler erschienen ist. Ob man das nun als Science Fiction bezeichnet, weil die Handlung in ferner Zukunft spielt, oder als Fantasy, weil die Insekten sich sehr menschenähnlich verhalten und miteinander sprechen können, ist dabei wohl gleichgültig. Entstanden ist ein ungewöhnliches Abenteuer, das prächtig unterhält und künstlerisch sehr eigenständig wirkt.

Für die Geschichte verantwortlich zeichnen Maud Michel und Nicolas Signarbieux; anfangs schrieb Maud Michel allein die Texte, später wurde Signarbieux immer wichtiger. Die Geschichte nimmt ihr Thema ernst, was ich gut finde: Zwar gibt es immer wieder einen grimmigen Humor, aber es gleitet nie ins Alberne ab. Für Kinder ist der Comic-Dreiteiler eher nichts, auch wenn allerlei Insekten durch die Handlung krabbeln – es kommt zu durchaus heftigen Kämpfen, bei denen Köpfe fliegen oder die Gegner aufgefressen werden.

Die Geschichte wird spannend erzählt, die Handlung verläuft recht geradlinig. Schön fand ich, dass die Insekten in ihren Sitten und Gebräuchen durchaus unterschiedlich dargestellt werden – auch wenn sie natürlich ein eher menschliches Verhalten aufweisen. Wer mag, kann diesen Comic sowieso als eine politische Darstellung lesen, bei der die Insekten eben die Rolle menschlicher Vorbilder einnehmen.

Rein künstlerisch ist Nicolas Signarbieux weit entfernt vom klassischen Funny-Stil, wobei es ohnehin albern gewesen wäre, Wespen oder Marienkäfer mit Knollennasen darzustellen. Realismus weist sein Comic ebensowenig auf, es ist schon eher ein humoristischer Stil, aber eben sehr eigenständig. Die Linien sind klar, die Farben zurückhaltend. Ich empfehle, die Leseprobe zu betrachten, die sich auf der Internet-Seite des Splitter-Verlags findet.

Alles in allem ist »Plastok« eine sehr gelungene und sehr kurzweilige Trilogie: Die Handlung steigert sich kontinuierlich, es gibt die eine oder andere Überraschung, und am Ende verblüfft ein hübscher Knalleffekt. Empfehlenswert!

(Die Rezension erschien bereits im Dezember auf der Internet-Seite der PERRY RHODAN-Redaktion. Da sie von mir stammt, kann ich sie ja auch gut an dieser Stelle wiederholen ...)

Märchenhafte Fantasy in zwei Bänden

Ein Mädchen kommt im Wald zu sich, es ist nackt und hilflos. In seinen Erinnerungen lodern Flammen, seine Zukunft ist ihm unklar. Doch dann trifft es auf die Angehörigen des Kleinen Volkes, die es bei sich aufnehmen. Dabei stellt sich allerdings eine Frage: Ist das wirklich so klug? Ist das Mädchen nicht vielmehr eine Gefahr?

Mit dem Comic-Zweiteiler »Brindilla« präsentiert der Splitter-Verlag eine Fantasy-Geschichte, die märchenhafte Züge aufweist, aber nicht für Kinder gedacht ist und auf Kitsch völlig verzichtet. Es tauchen allerlei Fabelwesen auf, gleichzeitig aber gibt es eine finstere Horde, die dem Mädchen folgt und nichts als Tod und Vernichtung im Sinn hat.

Das Szenario für den Comic stammt von Frédéric Brrémaud, dem es gelingt, mit wenigen Dialogen eine wunderbare Fantasy-Welt zu erschaffen. Die Figuren sind schön geschildert, es gibt immer wieder eine Prise Humor, die phantastische Welt funktioniert – sehr gelungen!

Wobei die Geschichte vor allem durch die wunderbaren Illustrationen von Federico Bertolucci überzeugt. Sie zeigen einen verwunschenen Wald mit zahlreichen Details, sie setzen die junge Hauptperson ebensogut in Szene wie die phantastischen Lebewesen, auf die Brindilla trifft. Viele der Seiten sind so, dass man sie nach erfolgter Lektüre auch gern ein zweites und drittes Mal betrachtet.

Ein starker Doppelband, der eine in sich abgeschlossene Geschichte erzählt!

Französisch-spanischer Western-Klassiker zum dritten

Die 80er-Jahren des sogenannten Wilden Westens: Städte und Eisenbahnen entstehen, die Indianer sind längst in Reservate zurückgedrängt, die sogenannte Zivilisation breitet sich immer mehr aus. In dieser Zeit spielen die vier Geschichten, die im dritten Band der »Mac Coy«-Gesamtausgabe zusammengefasst werden.

Bei »MacCoy« handelt es sich um eine Comic-Serie, die immer im Schatten von »Blueberry« oder »Comanche« stand; die genannten Serien sind auch erzählerisch wie künstlerisch besser. Trotzdem mag ich »MacCoy«: Sowohl die Art des Erzählens als auch die Bildgestaltung sind originell und haben mich beim wiederholten Lesen erneut gepackt. Die schön gestaltete Gesamtausgabe, die der Avant-Verlag seit einiger Zeit anbietet, bietet sich hierfür echt an.

Der dritte Band dürfte so ziemlich der beste sein: Der Autor Jean-Pierre Gourmelen wusste zu der Zeit besser, wie man Comic-Texte spannend gestaltet, und Antonio Hernandez Palacios lieferte beeindruckende Bilder in einer teilweise extremen Farbgebung. Das war nicht unbedingt hyperrealistisch, sondern häufig eher knallig, fasziniert aber immer noch. Zumindest mich.

Die Geschichten sind klassisch: Mac Coy und seine Kumpels schlagen sich mit einem Medizinmann herum, der die Apachen aufwiegelt, nehmen an einem bewaffneten Konflikt in Mexiko teil, erinnern sich in einem Album an eine historische Schlacht während der französischen Kaiserzeit in Mexiko und jagen am Ende einen Banditen durch den halben Westen. Die Geschichten sind in sich abgeschlossen, weisen also nicht den Zyklencharakter auf, den beispielsweise »Blueberry« hatte, erzählen auf diese Weise aber einfach spannende Western-Geschichten, in denen viel geschossen, gekämpft und gestorben wird.

Farblich und zeichnerisch ist »Mac Coy« oft grell. Die Figuren sind stark dargestellt, die Landschaft des amerikanischen Südwestens wirkt eindrucksvoll und gefährlich zugleich. Bei manchen Seiten hat man als Leser schon fast den Eindruck, der Künstler habe bei seiner Arbeit unter irgendwelchen Drogen gestanden.

Das ist nicht unbedingt jedermanns Geschmack, und jeden Tag kann ich mir das auch nicht ansehen – insgesamt jedoch finde ich das stark.

Auch der dritte Band der »Mac Coy«-Gesamtausgabe hat mir wieder gefallen. Wer gut gemachte Western-Comics mag, sollte sich diese Serie ansehen!

Zwanzig Jahre Splitter

Als der Splitter-Verlag vor zwanzig Jahren damit anfing, neu durchzustarten – es hatte ja früher schon einmal einen Splitter-Verlag gegeben –, diesmal mit ganz neuen Leuten in der Verantwortung, war ich gespannt, ob und wie das funktionieren würde. Gab es einen Markt für hochwertig gemachte Comic-Bände, für schön gemachte Hardcover, die letztlich ja auch ihren Preis kosten würden?

Es scheint tatsächlich diesen Markt für hochwertige Comics zu geben. Der Verlag kann in diesem Jahr sein Jubiläum feiern, es gibt Splitter nun schon seit zwanzig Jahren. Das ist ein Erfolg, der nicht genug zu loben ist.

Anfangs veröffentlichte der Verlag vor allem Comics aus den Bereichen Science Fiction und Fantasy. Stück für Stück erweiterte man das Programm und hat nun alle möglichen Genres im Angebot: eher literarische Graphic Novels, Western, Horror, Erotik und Krimi. Neuerdings gibt es sogar eine interessante Manga-Sparte, wobei ich davon nichts verstehe.

Mir gefällt die breite Ausrichtung des Programms sehr gut. Ich finde Klassiker wie »Rick Master« und »Comanche«, »Die Schlümpfe« oder »Thorgal«, aber auch zahlreiche neue Themen wie die großartigen »Alten Knacker«, was ja eine Polit-Satire ist, oder »Lady Mechanica« mit ihrer Steampunk-Optik. Es ist für »fast) jeden Geschmack etwas dabei.

Den Kolleginnen und Kollegen bei Splitter, von denen ich einige auch kenne, kann ich für die kommenden Jahre nur weiterhin so viel Durchhaltevermögen und Erfolg wünschen. Alles Gute zum Jubiläum! Auf die nächsten Jahrzehnte!